8강 미술치료 이론의 개념적 모형

8강 미술치료 이론의 개념적 모형  




수업목표

1. 정신역동적 미술치료 모형을 이해한다.

2. 현상학 및 게슈탈트 미술치료 모형을 이해한다.

3. 인간중심주의 미술치료 모형을 이해한다.

4. 행동․인지․발달적 미술치료 모형을 이해한다.







강의안

1. 정신역동적 접근의 미술치료 모형

1.1 정신분석적 미술치료

정신분석적 미술치료는 Freud를 중심으로한 정신분석가들이 사용하는 자유연상법이나 꿈의 해석, 저항과 전이의 분석과 해석 등을 기법으로 사용하는 것이다. 특히, 자유연상의 경우나 꿈의 내용을 전달하는데 있어서 그림이나 창조적 매체를 통해서 표현케 한다.

아동의 경우는 성인에 비해 자유연상의 준비성이 결여되어 있어서 그림의 사용이 언어의 사용보다는 의사소통을 용이하게 해준다(A. Freud, 1927). 또한 어떤 환자의 경우는 무의식적 동기를 각성시켜 의식수준으로 전환시키는 방법에서 꿈보다는 미술작품의 분석이 더 효율적이라는 학자들의 연구도 있다.

성인의 경우에도 난화나 핑거페인팅 등을 그려 자유연상을 하게 하거나 연상되는 것을 그리게 하는 방법을 적용하는 치료사들이 늘어나고 있다. Naumburg(1928)가 오래전에 발견했듯이, 자발적인 미술표현을 통하여 이미지를 표출(무의식을 의식화하기)하는 것이 치료나 정화, 원활한 의사소통의 효과를 거둘수 있다는 것이다. 정신분석적 미술치료는 내담자가 표현한 작품의 소재를 분석하여 미술을 상징적 언어의 형태로 보고 자유롭게 자신을 표현케 한다. 즉, 상징과 전이를 매우 중시하여, Jung의 집단 무의식개념과 대상관계이론도 치료이론에 통합하고 있다. 미술치료에서의 승화 문제, 자아 심리학적 접근도 프로이드의 이론을 기초로 하고 있다.

이러한 정신분석적 치료모형은 음악치료의 모형으로도 활용하며 내담자에게 음악을 10분정도 들려주고 음악이 끝나면 자유연상을 하게 한다. 이때도 시각적 언어인 그림을 사용할 수 있을 것이다. 놀이치료에서도 초기에는 친화관계형성을 위해 놀이를 사용했으며, 놀이도구를 통해 아동의 현재 세계를 만들게 하여 힘을 표현하게 하고 있다.




1.2 융학파의 분석적 미술치료

Jung학파의 치료자들은 내담자들에게 꿈이나 환상을 시각적으로 표상하도록 하였다. 특히 Jung은 자신의 개인적 위기를 그림이나 조소활동을 통해 생동감 있는 통찰을 얻었으며, Naumburg도 초기에는 Jung의 사상에 많이 공감했었다. Jung은 무의식으로부터 나온 심상을 그려내고 채색하는데 중요한 역할을 했던 능동적 심상화(active imagination)기법에 대해서 많이 논의하고 있으며, 내담자의 그림은 종합적으로 해석되어야 한다고 지적하고 그림을 지적, 감정적으로 이해해야 한다고 했다.

Jung(1964)의 분석적 미술치료는, Freud와는 달리 인간의 심상을 임상적 자료로 사용하기 보다는 내담자의 개인적 요소와 원형적 요소를 종합하는 방식으로 내담자와 치료자간의 상호통찰과 이해의 자료로서 사용하였다. 때문에 Freud의 정신분석학적 미술치료보다는 접근의 어려운 점이 있어 활용의 정도가 낮았다고 할 수 있다.

Jung학파는 미술이 추구하는 낭만적 작업이 임상적 정보자료원도 아니며, 그리고 원형적 형상화를 알고자 하는 흥미위주의 지적 탐구도 아닌 내적 및 외적 실체에 대한 잠재적 통찰을 불러 일으키는 합성물로써 또한 그 상징으로서 심상을 다루고 있다.

Jung은 심상을 강조하면서 「능동적 심상」이란 방법을 창안하였다. 그는 능동적인 심상을 내적인 심상의 흐름을 관찰하는 내성법이라고 정의하면서 무의식적 심상은 인간에게 위대한 책임을 지우고 있다고 했다. Jung은 능동적 심상과 꿈을 구분하여, 능동적 심상은 심상이 일어나는 동안에 무엇이 진행되고 있는가를 깨어있는 상태에서 충분히 볼 수 있다고 하였다. Jung은 미술과 능동적 심상을 구분하고 있으며, 심상을 그린 후에 이것을 미술이라고 한다면 그것은 Jung이 목표하는 심상의 의미를 알고 이해하며 결과를 받아들이는 것과는 상반되는 것이기 때문이다.

능동적 심상에서 강조되어야 하는 것은 문답이다. 그 답은 처음에 자신과 시작하여 자신의 내적 마음속에 있는 많은 사람과 이루어진다. 문답은 직면을 의미하며, 성장과정에서 문답을 통해서 신비적인 결합인 화해가 이루어진다. 즉, 서로 상반되는 것들이 균형을 이루어 함께 평화적으로 살아가게 된다. 이러한 과정은 미술매체를 통해서 촉진시킬수 있다. 어떤 치료사는 반투명의 색종이를 가지고 꼴라쥬활동을 시켜 자유로운 형상을 만들게 하였으며, 이러한 형상은 더 깊은 정신세계(무의식)에서 나온다고 보고 있다. 또한 이러한 미술활동의 과정을 통해서 결국에는 나타낸 것에 대한 의미를 알게 되고 무의식적 형태 - 감각이 더욱 명료해진다고 보는 것이다.

미술치료의 목표는 미술을 증진시키는 데 있는 것이 아니라 미술이라는 매체를 통해서 숨겨진 자원(근원)을 찾고, 이해와 성장과 변형을 증진하고자 하는데 있다. 우리는 정신, 영혼 혹은 생의 더 깊은 의미를 찾는 미술가로부터 배워야 할 점이 분명히 있다. 비록 미술가가 추구하는 표현의 효과성과 심리학자들이 추구하는 효과성이 조금은 다른 면이 있기는 하지만 Gogh의 작품이나 Kandinsky(1947)의 「미술에서의 영혼」이라는 저서에서 우리는 무엇을 읽어야 할까?




2. 현상학적 미술치료 모형

현상학은 어떤 것 그 자체, 그리고 어떤 것들에 대한 선입관이나 추론적인 이론과는 달리 충분히 주관적인 경험을 강조하는 철학으로서 미술치료에 적합한 이론이다.

현상학의 기본개념은 의도성(intentionality)이다. 의도성은 내가 보고 있는 것에 열중하는 것이며, 우리들의 의식은 어떤 대상과 항상 관계하고 있다는 것을 의미한다. 그래서 내담자들은 의도성을 통해서 새로운 세계를 의식하고, 생활속에서 자기와 관계하는 대상들을 찾으려 한다. 의도성은 신체와 더불어 존재하기 때문에 신체는 의도성으로 가득차 있다. 예컨대 우리는 신체를 통해서 세상을 지각하고 있다. 또한 많은 학자들은 의도성이 정서에도 있다고 한다. 특히 대상과 관련된 정서의 의도성에 있어서는 하나의 추가적 요소가 나타난다.

또한 의식의 현상학은 존재의 숨겨진 차원(무의식의 현상학)을 밝혀낸다는 점에서 미술치료와 가장 가까울지도 모른다. 내담자가 자유롭게 선택한 미술메채를 가지고 자유롭게 표현하는 과정이나 자신의 미술작품을 감상하고 고찰하는 과정을 통해서 현상학적 목표를 달성할 수 있을 것이기 때문이다.

현상학적 미술치료의 방법을 간단히 요약하면 다음과 같다.

현상학적 미술치료의 첫단계는 내담자가 미술재료를 선택하는 것이다. 그리고 미술작업을 통해 현상을 창조하는 것이 두 번째이다. 세 번째는 현상학적 직관단계로서 인지를 촉진시키는 것이 첫단계이며 현상학적 묘사를 하는 것이 그 두 번째 단계이다. 인지과정은 내담자가 전시된 자기의 완성된 작품을 적절한 거리를 조절하여 의도적으로 관찰하는 과정이다. 그리고 나서 치료자가 “당신은 무엇을 봅니까?”라는 질문에 내담자는 그림속에 있는 것을 정확하게 묘사하여 답을 하게 되는데 이것이 현상학적 묘사에 해당한다. 이때 치료자가 내담자의 마음을 열도록 도와주고 미술작품에 나타난 요소와 대상들을 설명하면석 토론점을 지적해 주게 되는데 이것이 현상학적 논의의 단계이다. 끝으로 현상학적 통합이다. 여기서는 내담자가 만든 작품의 결과를 놓고 원래 의도와 실제 표현간의 관계를 파악하여 자기를 발견하게 된다. 그리고 나서 내담자가 만든 동일한 미술작품을 통해서 유사점과 차이점을 찾는다. 즉, 이전의 작품과 지금의 작품을 비교해서 내담자는 자신의 작품속에서 되풀이되는 요소와 주제를 발견할 수 있다. 이것은 내담자의 행동양식을 인식하도록 도와주는데 있다. 끝으로 내담자의 미술표현 과정에서의 노력과 실제 생활 경험에 대처하기 위한 노력사이의 유사점을 찾게 함으로써 미래의 대처 능력과 설계 능력을 기른다.




3. 게슈탈트 미술치료 모형

실존주의 철학이 현상학적 방법에 기초를 두고 있다고 한다면, 게슈탈트치료는 현상학-실존주의의 영향과 정신분석, 게슈탈트 심리학의 영향을 받아 정립된 것이다. 그래서 게슈탈트치료의 인간관은 실존적인 삶을 통한 성숙한 인간에 두며, 치료의 목적은 분석이 아니라 자아의 통합에 있다. 특히 「지금-여기」를 강조하며, 미해결 과제를 완성하게 하고, 순수자아의표출과 의식 훈련의 기법을 사용한다. 즉, 여러 가지 연습에 의해 내담자가 도형과 배경을 자연스럽게 변화시킬 수 있도록 돕는다. 때문에 치료자와 내담자의 실존적인 만남이 중시되며 주로 워크샾 형태의 치료법을 사용하는데, 이때 치료자는 연출가의 역할을 하게 된다. 결국 게슈탈트치료는 개인의 생활 과정에 대한 개인의 책임을 강조한다.

게슈탈트 미술치료와 관련된 게슈탈트기법을 보면, 게슈탈트 꿈작업(dream work)기법은 미술치료기법과 유사하며 그들의 시각적 심상에서 자발적으로 표현된 의미에 대한 내담자의 의식을 불러 일으킨다. 즉, 꿈의 형태를 그들 자신이 만들어 냈다는 것을 인식하게 한다. 즉, 꿈을 현실화하고 재연시켜서 지금 일어나고 있는 것처럼 재생시키는 것이 목적이므로 미술매체를 통해 생생하게 끌어낼 수 있다.

또한 점토작업 게임이나 느낌에 대한 그림 그리기 기법, 선게임(Line game)등도 게슈탈트 미술치료방법이 될 수 있다. 때로는 역할놀이, 연주 등과 함께 사용해도 좋을 것이다.

Arnheim(1969)은 내담자가 만들어 낸 심상은 행동 패턴과 동일 구조라고 가정하여 그림에서 인지된 구조의 역동성은 행동패턴의 인지로 바꾸어 질 수 있다고 보았다. 구조화된 게슈탈트 미술치료에서는, 내담자에게 정서적으로 괴로움을 겪고 있는 일련의 단어에 대한 추상화를 그리게 하고 (예컨대, 분노, 공포, 슬픔, 놀람 등) 그린 그림을 동시에 볼 수 있게 정리하여 토의한다. 치료사는 선과 형에 포함된 방향성에 유의하여 주목을 끄는 형태를 확인하고 시각적 도형이 내담자의 실제 생활에서의 현재의 관심과 어떻게 관련되는지를 질문하여 내담자가 설명하게 한다.

게슈탈트 미술치료는 내담자와 치료자 사이에 책임있고, 정직하며, 직접적인 의사소통을 이끌어 나가게 하고자 한다. 시각적으로 묘사된 진술을 상호간에 탐구하면서 두사람이 접촉하게 되며 상호작용하는 것이다. 게슈탈트 미술치료사는 모든 내담자가 그들 자신의 시각적 메시지로 그들의 욕구와 자원을 인지하기 위해 최대한으로 잠재력을 활성화시키는 방향으로 노력해 나가야 한다.




4. 인간중심 미술치료 모형

미술치료에서 인간중심치료모형은 그 출발에서 몇가지 철학적 신념을 지니고 있다. 예컨대, 한 개인은 총체적으로 연구되어야 하고, 적응과 편안함 보다는 의미와 주체성을 제공하는 자기실현과 성취가 인간 존재의 기본목표라는 것이다.

인간중심 미술치료에서는, 치료자가 내담자를 정신질환자로 인식하기 않고 삶의 적응과정에서 특정의 문제에 당면한 것으로 본다. 그래서 삶의 의지와 삶의 형태를 창출하는 가운데서 주체성과 의미를 갖게 하는 능력을 발달시키고 강화하는 것이 치료의 하나이다. 또한 내담자가 여러 가지 주체성 위기를 창조적-표현적 생활양식으로 통합하고 조절하도록 하며 한층 더 변화의 경험으로 나갈 준비를 하도록 도운다.

인간중심 미술치료는 정신의 깊은 곳까지 탐색할 수 있는 의지와 힘을 길러주며, 상반되는 양극성(선과 악)의 태도보다는 인간이 사랑할 수도 미워할 수도 있는 존재라는 신념을 확신케 한다. 인간중심 미술치료에서 강조하는 전인격적 통합은 몸과 마음, 영의 조화로운 협력을 말한다. 그래서 내담자가 두려움이나 불행, 불안에서 탈피하려는 것보다는 진정한 표현의 성취로부터 나오는 기쁨, 유쾌한 흥분을 얻고 이들 느낌들을 어떤 창조적 양상으로서의 정직한 표현으로 변화시키는 것이다.

인간중심치료에서는 창조성을 보는 시각도 다르다. 이들은 창조성을 선천적 인간 충동이라고 보는 이차적 현상의 정의를 수용하지 않는다. 즉 결핍보상 이론보다는 역동적-총체적 이론을 지지하고 있다.

인간중심 미술치료사들은, 문제해결과 창조적 혁신의 동기가 되는 개인적, 집단무의식으로 부터 내담자가 중요한 메시지를 파악하도록 도와주는 꿈의 해석을 응용하고 있다. 이들은 Jung의 이론과 같이, 꿈을 깊은 무의식에서 나온 상징적 메시지로 간주하는 경향을 지니고 있다. 이들 메시지는 창조적 열망과 관계하며 의식적인 주의집중이 요구되는 자율성, 주체성의 관점에서도 볼 수 있기 때문이다. 노벨상을 수상한 Bohr는 원자의 구성요소를 푸는데 그의 꿈이 결정적 단서를 제공했다고 한다(Gardi, 1976). 아울러 미술치료 과정에서 심상의 중요성을 인식하고 통합적 치료에 활용하고 있다. 예컨대, 꿈의 기억이나 대인관계 개선, 통증의 치료 등에서 소조활동이나 크레용 등으로 그림을 그리게 하는 기법을 사용할 수 있다. 통증을 상상하고 통증을 그림으로 그리고, 통증이 몸에서 떠나가는 것을 상상하고 그것을 다시 그림으로 그리게 하는 방법을 응용하고 있다. 만약에 정신생리적 장애를 가진 내담자가 미술작업을 통해서 자신의 갈등을 스스로 해결하고 자아실현이 증가되었다면, 또한 자신의 전체성을 경험하고 삶의 질을 높이기 위한 개인의 노력이 향상되었다면, 우리는 인간중심 미술치료모형에 가치를 부여할 수 있지 않겠는가.

자신의 전체성을 경험한 사람은 물론 타인의 통합성, 주체성, 개성, 이상주의를 인정하고, 그러한 통합 철학은 관심, 돌봄. 동정의 삶의 방식을 이끌어낸다. 그러나 그것은 자아실현, 자율성, 진실성의 통합으로부터 유기적으로 흘러나온다.




5. 행동적․인지적․발달적 미술치료 모형

미술치료에서 행동주의적 접근은 행동치료기법을 미술치료에 실제로 적용시킨다는 것을 의미한다. 정신역동적 관점과 행동주의적 관점이 상호상반되는 이론으로 널리 알려져 왔으나, 사실상 정신역동적 미술치료사들은 내담자의 특성에 따라 행동치료기법을 활용하고 있다. 때문에 심리치료와 행동치료는 상호 공유하는 점이 많음을 우리는 인식할 필요가 있다. 예컨대, 두 치료가 강화를 이용하는 점이나, 전이현상의 의존, 통찰의 적용 등 유사점이 많기 때문이다.

행동주의적 미술치료 모형은 발달장애아동 (예컨대, 정신지체아, 정서장애아 등)이나 행동문제를 지닌 성인에게 유용하다고 한다. 특히, 이 모형에서 실제로 유용한 기법은 「실체적 행동형성법」이다. 이 기법은 미술치료 기법과 행동치료 원리를 결합한 것이며 교육적 조치도 포함되어 치료교육의 의미가 크다. 그 외에도 촉구, 정적 강화, 모델링 등도 유용하다.

미술치료에서 인지적 접근은, 인지가 외부세계의 자극을 조절하는 수단이며, 인지는 언어와 관련이 있고, 인지와 언어는 미술의 상징성과 관련이 있다는 기본적인 이론을 바탕으로 하고 있다. 또한 인지는 창의성과 분리될 수 없으며 생각을 표현하고 받아들이는 중요한 매체로서 미술을 사용하는 것이 유용하다는 것을 전제로 한다.

미술을 통해서 인지나 창조적 기능을 사정할 수 있을 것이며, 또한 인지나 창조적 기능을 개발할 수 있을 것이다. 이미 Piaget와 Inhelder(1967)의 연구를 통해 우리는 인지발달에 대한 지식을 가지고 있다. 언어를 통해 발달된 개념들은 미술형태를 통해 비언어적으로 발달될 수 있을 것이며 이들 개념에 대한 이해는 스켓치나 채색화, 조소와 같은 미술작품의 형태에서 추론되어 질 수 있다. Silver(1983)의 연구에서 보듯이 그림을 통해서 공간개념이나 계열적 순서, 부류 등의 개념을 사정할 수 있으며, 특히 신경학적 손상(학습장애 등)의 진단은 매우 유용하다고 할 수 있다.

색채의 농담(유채색＋흰색)을 혼합해 가면서 계열성개념을 개발하거나 관찰화를 통한 공간개념의 개발, 찰흙으로 모양꾸미기를 통한 공간,순서, 부류의 개념을 발달시킨다면 이것을 인지적 미술치료 기법이라 할 수 있을 것이다.

미술치료의 발달적 접근은 Freud와 Erikson, Piaget 등의 발달이론을 기초로 하고 있다. 발달적 미술치료라는 용어를 처음 사용한 Williams & Woods(1977)는 인지와 운동능력은 정상이나 정서장애가 있는 아동에게 그들의 기법을 적용하여 효과를 거둔 바 있다.

발달적 미술치료의 사정방법은 내담자의 특성에 따라 다르게 적용되나 표 2.1의 사정을 통해서 내담자의 매체의 사용능력과 조직수준, 매체특성에 대한 반응, 구조적인 형과 비구조적인 형태의 사용, 감정의 표현능력 등을 수집한다.

<표 2.1> 미술을 통한 발달적 사정(Feldman & Miller)

방법 ① 정형의 매체와 비정형매체를 활용한 비지시적 미술활동: 매체의 선택, 활동, 주제, 내용을 내담자에게 허용

방법 ② 정형의 매체를 이용한 구조적․지시적 미술활동: HTP검사 등

방법 ③ 비정형의 매체를 이용한 구조적 미술활동 : 내담자의 성향, 조작, 조직의 관점에서 관찰







또한 발달적 미술치료는, 아동의 발달과업에 맞추어 각 발달단계에 따라 미술활동내용이 달라질 수 있다. 예컨대, 어떤 내담자는 생활연령은 6세이나 정신연령은 0～2세(감각운동기)의 수준에 머물고 있는 경우도 있다. 이를테면, 감각운동기에 있는 내담자의 경우는 미술매체에 있어서 비정형매체(모래, 물, 밀가루 등)들이 중심을 이루게 될 것이고, 자기와 타인, 사물의 애착과 분화를 촉진시키기(점토활동 등), 긍정적인 감각정향과 단순한 운동도식을 습득하기(때리기, 흔들기 등), 인과관계를 발견하기(색조합활동 등) 등을 치료의 목표로 할 수 있을 것이다. 전조작기(2～7세)의 경우는, 폭넓은 미술매체가 요구되며, 자율성 증진, 감정표현과 분화의 촉진, 감각분화의 발달, 상징화 능력발달에 중점을 두어야 할 것이다.

이상에서 미술치료의 행동적․인지적․발달적 접근을 간단히 살펴 보았으며, 이러한 미술치료를 성공적으로 시행하기 위해서는 관련 심리학과 교육학, 예술치료, 미술의 각종 기법들에 대한 이론과 실제를 익혀나가야 할 것이다.




제 5주

제목 : 제 3장 미술치료에서의 임상철학




수업목표

1. 미술치료와 임상철학의 융합에 대해 이해한다.

2. 미술치료에서의 자유, 개별화, 출생, 악, 허무, 죽음 등의 삶의 문제를 탐색한다.




강의안

1. 임상철학과 미술치료의 융합

심리치료를 받고 있는 대부부의 내담자들을 보면 심리적 질환보다는 개인이 지닌 철학적 신념으로 인해 더 괴로움을 겪고 있는 경우가 많다. 심리학에서 일고 있는 비교적 새로운 움직임을 살펴보면, 인본주의 심리학, 실존주의 심리학 내지는 임상철학 등이라 할 수 있다. 본 글에서 말하는 임상철학은 심리치료에 철학을 접목시킨 이론이다.

임상철학에서 보는 우리의 가장 근본적인 고뇌는 학자들이 지적하듯이 ‘존재론적 불안’이라는 것을 인식함으로써 생긴 심리적 고통이라고 할 수 있다. 이것은 개체가 자신, 물체나 타인의 실체, 그리고 자연계의 과정들이 유한한 것임을 지각함으로써 생겨나는 고뇌들이다.

임상철학과 미술치료의 융합이라는 측면에서 보면, 임상철학과 미술치료는 그 이론에 상호 유사성을 지니고 있기 때문에 많은 치료자들은 미술치료 과정에서 임상철학을 적용하고 있다. 즉, 미술이라는 작업과정에서는 양극성 사이에 균형을 유지하려는 노력이 있으며, 하나의 작품을 생산하려는 창조적인 체험에서 사고의 양극적인 개념들 사이에는 대립과 대안, 타성이 있으며, 그리고 이들 개념들을 보존하고 실현시키려는 노력이 있다.

임상철학을 지지하는 학자들은 객관성과 주관성의 역동적 만남을 통해서 지식이 생겨나며, 양극성간의 끊임없는 반복의 투쟁은 창조에 활기를 부여해 주고 있다고 강조한다. 또한 어떤 것을 더 정확하게 관찰할 수 있는 것은 감정보다는 이성적인 것이라고 했으며, 미술의 목적은 인생의 목적과 같이 모든 인간이 세상에서 발견할 수 있는 자유의 책임을 더욱 증가시킬 수 있도록 하는 것이라 하겠다.

미술과정에 대해 철학적 접근을 해보면, 우리는 의식의 다른 의식적 요소, 사회, 그리고 자연으로 구성된 객관적인 실체와 항상 직면하는 의식의 내적 요소, 주관적 요소, 신체로 구성된 존재이다. 우리는 한편으로는 참여하고, 관여하고, 정서와 행위를 동일시하지만 다른 한편으로는 우리가 선택할 수 있는 것들로부터 분리되어 튕겨나가려고 한다. 미술치료과정은 객관적인 실체, 삶에의 참여, 사고와 느낌과 행동에 있어서의 동일시와 개입, 그리고 개체로서의 자기 자신을 창조하는 하나의 투쟁이다. 미술작품과 언어의 결합들은 우리를 통찰로 이끄는 경험적 자아의 해방일 뿐만 아니라 경험의 망각, 심리적 거리, 퇴행, 그리고 반영이라 할 수 있다.

지적한 바와 같이, 인간의 양극성의 결과는 갈등과 불안이다. 불안이란 주관적, 객관적인 의미에서 삶의 문제들을 나타내는 것일 뿐만 아니라, 실존주의적 의미에서 볼 때 건강한 것이고 정상적이며, 그리고 바람직한 것이다. 실존주의적 불안에 대한 거부는(즉 억압, 합리화, 반동형성) 신경증적인 불안을 가져오며 또한 우리들의 실체를 거부하는 것이므로 올바른 통찰을 할 수 없게 된다. 이러한 거부는 고혈압과 같은 신체적 증상들, 알코올 중독과 같은 행동적 증상들, 그리고 우울과 같은 심리적 증상들을 초래하게 된다.

우리는 불안할 때 비로소 자신과 세계에 대한 진실을 경험하게 된다. 그러나 우리가 존재 불안을 느끼는 것에 대해서 두려워 할 때, 우리는 고통스러워하고 즐거운 삶에 대한 가능성은 불필요하게 제한을 받게 된다. 불안은 통찰의 다른 자원들을 밝힌다. 만약 개체가 불안을 느낀다면, 그는 인간존재에 대한 이러한 기본적인 사실들의 결합을 경험할지도 모른다. 사람들은 심리적으로 문제를 가졌을 뿐이다. 그러한 삶의 문제가 바로 자유, 개별화, 출생, 악, 허무주의 그리고 죽음에 대한 불안이다.

본 글에서는 Ellingson(1991)과 Koestenbaum(1976)의 이론과 미술치료 사례를 중심으로 ‘임상철학과 미술치료’에 대해 논의하며, 전술한 여섯가지 삶의 문제를 주제로 하여 살펴보고자 한다. 본문의 내용중에 환자 성명은 우리 이름으로 바꾼 가명이며, 그림의 색채는 원본과 관계가 없음을 밝혀둔다.




2. 미술치료에서의 여섯가지 임상철학의 탐색

2.1 자유

임상철학에서 내담자들은 자유스럽게 각자의 세계를 구성하는 것을 배운다. 자유에 대한 경험은 의식저 경험이다. 의식적 경험은 우리 자신의 세계를 창조하는 자유이며, 끝없이 추구하는 것이다.

미술치료과정에 있어서 우리의 삶을 형성하는 자유에 대한 하나의 예는 내담자가 ‘하나의 색, 또는 여러 가지 다른 색들로 난화를 그릴 때 그 속에서 심상들을 발견할 수 있다.’는 사실에서 증명되고 있다. 난화와 미술매체는 우리가 어떤 시기에 비로소 알게 되는, 형태가 없고 단색으로 된 대상들의 상징이다. 작품을 완성할 때까지 색채와 형태의 선택은 대안적인 선택과 의사결정의 방법을 의미하며, 우리는 점차 최종적이고 완전한 3차원적 세계를 구성한다.

환자가 자유를 상실한 경우에는 계속해서 하나 또는 두가지 색들을 사용하거나, 반복적으로 종이의 한 귀퉁이에 조그맣게 그림을 그리거나, 다양한 형태나 질감의 사용이 제한되는 등의 특성을 보이다. 이같은 진단에 대한 치료는 환자가 그린 그림들을 보관하여 후에 환자와 같이 다시 감상함으로써 환자 자신이 특정의 색, 형태, 그리고 주제를 어떻게 선택했는지를 기억하게 한다.

미술치료자는 환자의 치료를 돕기 위해서 언억적 개입이 치료자의 책임이라는 것을 환자에게 상기시키면서 작품에 대한 언어적 연합을 위해 어떤 요구를 할 수 있다. 「당신은 심상을 나타내는데 어떤 한가지 색깔을 사용할 수 있고 또한 당신은 마음대로 형태를 그릴 수 있기도 하고 또한 종이를 비어둘 수도 있다…」라는 말을 치료자가 하면된다.

어떤 미술치료자는 감각장애를 지닌 97세의 노인에게 아직 남아있는 자유를 향유하는 방법을 가르쳐 주기 위해서 다음과 같은 방법을 사용한 바 있다. 즉 잡지의 그림들을 오려내어 환자가 두 세가지 심상들을 선택하게 하고 함께 밝은 색종이의 바탕위에 그림들을 붙였다. 치료자는 그녀가 마음에 드는 그림들을 선택하도록 유도했다. 그리고 나서, 치료자는 그녀의 손을 잡고, 그녀의 희망에 따라서 각각의 그림의 주제를 검은 싸인펜으로 적었다.

각자의 삶을 창조하는 것과 확립하는 것은 유사한 의미인 것 같다. 그림 창작을 할 때는 매체가 주어진다. 인생을 확립하는데 있어서 주어지는 것은 대상들의 세계이다. 두가지 행동을 하려고 할 때에는 비난에 대한 두려움이 있다. 무형으로부터 우주를 창조하고 형태를 만들며 선택하고 발명하는 것임을 우리가 깨달을 때 불안이 발생한다. 우리가 자유를 실현시키려고 할 때, 불안 때문에 끊임없는 싸움을 한다. 그러나 만약 자유가 너무 위축된다면 창조성은 죽을 것이며, 잠재력은 발휘되지 않을 것이다. 물론 인생과 미술은 한계성이 있으나 불안과 투쟁할 수 있으므로 우리는 의식을 분화시키고, 확대시킬 수 있다.

우리 자신의 세계를 구성하기 위해 사용하는 이 힘은 궁극적으로 책임있는 인간으로 이끌 것이다. 이같은 사실에 대한 인식은 개인의 잠재력과 모든 존재에 대한 경외감, 그리고 모든 수준의 상호작용에 있어서 책임있고 사려깊은 행동들을 하도록 한다.




2.2 개별화

자신의 세계를 구성하는 모든 행동들 중 가장 중요한 것은 개별화에 대해서 지각을 하는 것이다. 이 행동의 탬색에 가장 크게 기여한 것은 심리치료 철학이다. 미술치료에 있어서 개성의 억압은 자기 자신의 특별한 이미지 사용에 있어서 외적인 거부에 대한 두려움으로부터 발생하는 고정관념적인 심상을 통해서 나타날 수 있다. 이와 같은 심상의 유사성은 개체성이 확립되지 못한 아동기에 있어서는 누구에게나 일어나는 것이다. 그것은 그들이 집, 태양, 하늘, 그리고 사람을 그릴 때 입증될 수 있다.

개체성의 불안을 이해하는 데 있어서 다른 진단학적인 기준은 내용과 색채에 대한 표현의 결핍이다. 완전히 자유로운 표현이 “나(I am)”라고 하는 주체성의 확장을 가져오는 것이라면, 자아가 잘 형성되어 있지 않고 자아 통제가 안된 사람들은 그들의 주체성을 확립하는데 위험을 무릅 쓸 용기가 없다. 그 한 예로써 78세의 한 노인은 지금까지 그의 어머니로부터 독립하지 못했다. 그는 어머니와 함께 살았던 집을 몇 번이나 그려감에 따라 자신이 어머니로부터 독립하지 못했다. 그는 어머니와 함께 살았던 집을 몇 번이나 그려감에 따라 자신이 어머니로부터 분리된 존재라는 것을 깨달았다(그림 3.1 참조). 그는 애완 동물을 사랑하고 꽃들을 심고, 친구들을 사귄 한 개인이라는 것을 깨달았다. 각각의 그림은 “나(I am)”라고 하는 이 그림과 함께 그의 과거를 재검토하는 데 있어서 그 자신의 존재를 쉽게 알 수 있도록 해 주었다.








<그림 3.1> 78세 된 한 노인의 집 그림(개별화)




2.3 출생

미술치료에서 종종 나타나는 인간존재에 관한 다른 양상은 출생과 재탄생(rebirth)에 대한 문제이다. 이것은 삶의 유형, 관계형성, 자아 개념들, 그리고 새로운 것들의 출현에 대한 붕괴로 나타나는 불안이다. 이를테면, 정신분열증 환자로 진단이 내려진 한 희수씨는 거의 2년 동안 집단미술치료를 매일 받았다. 내담자는 약을 심하게 복용하여 중독에 빠진 경험이 있었다. 그리고 이 세상 사람같지 않은 상태로 여러날 동안 침대에서 누워 지냈던 경험이 있었다. 그는 한 때 초라하고 늙은 남자처럼 보였었다. 집단미술치료를 받은 마지막 해에 그는 만족스럽게 삶을 조절할 수 있었고, 잘 단련시켜 나갔다. 그는 약을 먹지 않았고 의사의 승인을 받아서 처방받은 약을 스스로 끊었다. 그 후에 그는 자청헤서 요리사 일을 하게 되었다.

그의 재탄생은 고통스러운 투쟁이었고, 이 투쟁은 그의 미술작품과 언어표현에서 명백하게 나타났다. 집단 치료에 있어서 2년 동안 그의 그림들을 재 검토해 볼 때 기하학적인 형태와 단편적인 선들, 수동적인 그림들(그림 3.2)로부터 보다 많은 색들이 다양하게 채색되어진 심상들, 세련된 조직화, 그리고 좀더 많은 내용물을 함유하고 있는 그림들(그림 3.3)로 발전했음을 알 수 있다. 내담자의 언어적 표현들, 체계적인 설명, 그리고 그의 자아개념은 일치되었다. 희수씨를 변화시킨 특별한 요인은 잘 알수 없지만, 그를 건강한 방향으로 이끌 수 있었던 것은 기존의 낡은 방식을 변화시킨 새로운 방식의 사용을 통해(몇 년 동안의 그의 삶에 있어서)일어난 과정이다.

미술작품의 고찰은 그가 매일 매일 재탄생할 수 있도록 지시하고 이끌어 주었다. 미술치료자는 삶이나 미술에 있어서 긍정적이고 조화스런 변화들을 강조했다. 격려와 확신은 환자로 하여금 끊임없이 재창조 할 수 있도록 지지해 준다.







<그림 3.2> 회수의 기하학적 그림(출생) <그림 3.3> 회수의 꽃그림(출생)




2.4 악

개인의 자유, 개성, 탄생에 관한 주제와 함께 또 다른 불안의 요소는 이 세상에서 제거할 수 없는 악에 대한 것이다. 우리는 악의 존재를 거부할 수 없다. 미술치료를 하는 우리의 작은 영역에서 조차도 악은 존재한다.

악은 논쟁의 소지가 많은 단어이지만, 우리가 다루어야 할 많은 불편한 것 중의 하나이며, 관심을 가질 필요가 있는 것이다. 우리 각자는 특히 ‘악이라는 것이 무엇인가’를 시험함으로써 그 일이 의미있는 것임을 알 수 있다. 예를 들면, 매일의 집단치료에서 환자에게 세상에서 가장 큰 악의 그림을 그리게 한다. 그들의 그림을 통해서 알 수 있는 것은 정신병원들, 황량하고 불안한 가정들, 그들을 대신해서 결정하는 사람들이었으며, 그들은 자신들이 살고 있는 곳, 노화, 의존성, 자신과 현실에 대한 느낌이 없는 것 등이 가장 큰 악이라고 했다. 어떤 환자는 그림 그리기 전에 검은 종이가 악한 것이라고도 말한다.

다음 회기때 집단 구성원들에게 악에 대처하는 방법을 그림에 나타내도록 지시했다. 이 요구에 대한 그들의 반응은 일, 학교, 희망, 기도, 사랑하는 것과 사랑받는 것, 그리고 미소짓는 것이었다. 이들 두 번째 상담에서 분명히 알 수 있는 것은 행위, 움직임, 의미있는 행동이 개인적인 악을 경감시키는데 필수적이라는 것이다. 무엇보다도 중요한 것은 그들이 이 사실을 알아서 이것에 초점을 맞추어야 한다는 것이다.

첫 번째 그림에서 그들은 인생에 있어서 악이 무엇인지를 생각할 수 있었으며, 두 번째 그림에서는 이 악에 대처해서 좀 더 완화시킬 수 있는 방법을 알 수 있게 되었다. 전반적으로사람들은 악에 대한 그림들을 그릴 때에는 평소보다 더 많은 노력을 한다. 환자들이 주의산만하고 집중력이 부족하여 권태로워 할때, 그들은 악에 의해서 쉽게 공격받고 무기력하게 되는 것을 경험한다. 이들의 심상들이 직면을 통해서 구체화되기 때문에 환자는 이러한 증상들을 완화시킬 수 있다.




2.5 허무주의

인간존재에 관한 다섯 번째 주제는 허무주의로 인한 불안이다. “삶은 의미없는 것이고 무익한 것이며, 진실이란 없다. 그리고 전통적인 가치와 도덕관(신을 포함한)은 허무주의에서는 인정되지 않는다.”

노인들 중 일부는 허무주의에 빠져 살아가는 것처럼 보인다. 그들은 신과 자녀들과 친구들로부터 버림받았다고 느낀다. 그들은 그림을 그리지 않고 “그림이 무슨 필요가 있는가”라고말하거나, 또는 만약 그들이 그림을 그린다면, 그림에 대해서 웃거나 비난한다. 젊은 사람들 사이에서 자살과 약물중독이 증가하는 것은 그들도 또한 미래가 없는 세계로 빠져들고 있음을 보여준다. 더구나 오늘의 우리 나라 현실과 같이 대형사고나 한탕주의를 경험하고 있는 사회의 청소년들은 더욱 허무주의로 빠지게 된다.

<그림 3.4> 박문세군의 구조요청 그림(허무주의)




한 예로써, 20세인 박문세는 그의 부모님이 그가 아주 어렸을 때 돌아가셨다. 그는 11살 때 처음으로 환각제를 마셨으며 두 번 자살을 시도했다. 치료시에 당신이 있고 싶은 곳에 대한 그림을 그리라고 했을 때 그는 자신을 박쥐와 같은 모습으로 그렸으며, 자신이 “하늘로 날아간다”고 말했다. 그가 그린 대부분의 그림은 배경이 없었다. 그의 심상들은 공중에 떠돌아 다녔다.

박문세는 “인생이란 우리가 태어나는 순간부터 지옥이며, 우리가 죽을 수 있을 때만이 자유로와 진다”라고 말했다. 그의 그림들에서 사람은 구체적이거나, 조직적이 아닌 무서운 존재였다. 그는 인간존재에 대해 양가감정을 나타냈다. 때때로 그는 도움을 요청했다(그림 3.4). 박문세군은 뿌리가 없었다. 그는 외롭고, 모든 것으로부터 소외당하는 것처럼 느꼈다. 그의 희망은죽는 것이었다. 그는 인간을 버림받는 존재라고 믿었으며, 그의 이러한 마음상태는 “꿈”이라고 제목을 붙인 그의 미술작품을 통해서 나타났다(그림 3.5). 박문세군에 대한 치료의 목표는 그로 하여금 자살 대신에 다른 유용한 어떤 것을 선택하도록 하는 것이었다. 새로운 주제의 그림을 그리는 것은 그의 인생을 새로운 방향으로 전환하는데 도움을 주었다. 치료자는 그에게 자유롭게 그릴 수 있는 선택의 권리가 있다는 것을 지적해 주었다. 그는 이제 여러 가지 방법 중 하나를 선택할 수 있었다. 점토로 작업을 하는 것은 박군이 현실 지각을 할 수 있도록 도와 준 또 다른 방법이었으며, 이것을 통해서 박군은 현실 세계를 더 명백하게 볼 수 있었다. 그 자신의 지각과 개념들이 아무런 형태가 없는 무(無)와 같은 상태인 점토를 가지고서 어떻게 형태를 만들어 낼 수 있는지를 그는 볼 수 있었다. 따라서 그는 공간과 시간 속에서 자신의 참모습을 볼 수 있게 되었다.

<그림 3.5> 박문세군의 꿈그림(허무주의)










2.6 죽음

죽음은 인간 존재가 가지는 근본적인 현상중의 하나로서 누구나 경험할 수 있는 불안의 또 다른 주요한 요소이다. 우리 문화에서 죽음이란 가장 보편적인 삶의 부분인 것이다.

어느 나이에서든지 죽음에 직면한다는 것은 이미 살아온 과거에 대해 가치를 부여하는 것이다. 노인들은 삶을 너무 많이 낭비했다고 느낀다. 어떤 이유에서건 그들은 죽음이 다가옴을 느낄 때, 후회와 슬픔 때문에 괴로워한다. 그들은 자기 자신 안으로 숨어 버리고, 그래서 남은 시간들을 즐길수 없게 된다. 미술치료자들은 환자들에게 가계도를 그리게 하거나 또는 당신이 살았고 사랑했던 가정을 그려보라고 제안한다(그림 3.6). 이 제안은 그들에게 그들의 긴 인생에 가장 분명하게 내포된 변함없는 가치와 독특한 실체를 기억하도록 할 것이다.

심리학은 우리의 과거가 현재의 우리를 창조했다고 말해왔다. 그러나 철학은 우리의 지나간 과거에 가졌던 감정적인 의미를 바꿀 수 있다고 한다. 사람은 각자가 새로이 형성된 자기 존중감을 가질 수 있기 때문에 온화함과 사랑과 용기를 가질 수 있게 된다.

모든 연령의 성인들을 죽음에 직면하도록 하는데 미술을 적용할 수 있고, 죽음에 대한 생각과 느낌을 그림으로써 그들은 언제, 어디서, 어떻게 죽을 것인가를 토의할 수가 있다. 우리는 죽음에 대한 공포의 대부분을 사회로부터 학습했으며, 죽음에 직면했을 때 비로소 우리는 죽음의 긍정적인 면을 발견할 수 있는 것이다.

<그림 3.6> 한 환자의 자기가 살았던 집을

<그림 3.6> 한 환자의 자기가 살았던 집을
그린 예(죽음)




3. 맺음말

지금까지 필자는 선행연구자들의 이론을 빌어 미술치료 과정이나 미술작품에 대한 구조적 요소보다는 철학적인 측면을 강조해 왔다. 진주목걸이의 줄은 철학에 해당되고 진주는 미술요소에 해당된다고 할 수 있다. 이와 같이 철학적 배경에 바탕을 둔 이론은 임상치료에 철학을 이용하는 것이 중요하다는 것을 강조하고 있다.

환자를 치료할 때 미술치료자나 어떤 다른 치료자들이 고려해야 할 중요한 도구는 환자 개인의 특성을 파악해야 한다는 것이다. 정신분열증과 같은 증세를 완화시키는 것 보다 환자 자신의 감각을 수용하고 신뢰하는 섬세한 치료자의 태도는 환자가 자기 스스로 자신의 병을 치유할 수 있는 능력을 갖도록 도와준다. 이같은 미술경험을 한 미술치료자는 환자의 미술표현과 개인의 창의성에 대해 감정 이입을 할 수 있고, 적극적으로 지지할 수 있다.

치료자들의 역할은 다른 사람과 환자가 인간존재의 양극성내에서 어떻게 살아갈 것인가를 선택하는지 지켜보고 배려하는 역할이다. 더욱이 위대한 예술을 창조할 수 있는 사람은 극소수라는 것이 사실이지만, 모든 사람들이 성실한 미술가가 될 수는 있다. 창조된 의식은 경험과 감정에 의미를 주나, 이들이 서로 모순된 것은 아니다. 완성된 작품에 주어지는 어떤 궁극적인 의미는 그 사람의 가장 진실한 경험이다. 미술치료과정은 그 자체가 가지는 것과 같이 매 순간, 순간마다 세계와 밀접하게 관련되어 있으며 이성적으로는 도저히 묘사하기 힘들거나 불가능한 것을 심상으로 묘사할 수 있다.